Какие музыкальные инструменты изобрели итальянцы

Народный итальянский инструмент, под звучание которого пели серенады в Средние века, известен далеко за пределами Европы. Мандолина популярна на всех континентах – в США, Австралии, Японии.

Что такое мандолина

Мандолина – небольшой итальянский струнный щипковый музыкальный инструмент класса хордофонов. Произошел из семейства лютни. Имеет квинтовый строй. Отличается овальным корпусом и особенностями звучания. Струны натянуты парами, каждая пара называется хором.

История инструмента

Предок мандолины – лютня, которая появилась ещё в Месопотамии в IV в до н.э. Именно от её разновидности, называемой сопрановой лютней, и взяла свое начало мандолина. Родиной инструмента считают Италию. Музыковеды выделили мандолину в отдельный вид в XIV веке из-за существенной разницы. От лютни мандолина отличалась широкой шейкой и прямой головкой грифа и числом струн.

Нынешняя привычная модель была разработана еще в XVIII веке. Мастера Виначиа сделали деку изогнутой, углубили корпус. Инструмент получил 4 спаренные стальные струны и квинтовый строй. Этот вид носит название неаполитанская мандолина. Первые образцы до сих пор хранятся в музее.

Началось массовое производство мандолины в странах Европы. Сочный звук позволил новому инструменту войти в состав оркестра.

Появились свои разновидности во Франции, где разработали обратное натяжение струн, и в царской России – там для лучшего резонанса и звучания устанавливали вторую верхнюю деку.

Но популярность инструмента была недолгой, к середине XIX века мандолина почти вышла из употребления. Она звучала лишь как национальный итальянский инструмент.

Вновь о ней вспомнили в конце XIX – начале ХХ века, когда появились формы с плоским корпусом и расширенным диапазоном. Они широко использовались в 30-е годы в джазе и кельтских мелодиях и применяются до сих пор.

Строение мандолины

Устройство инструмента обычное для струнных:

Корпус в форме капли выпуклый снизу в виде кузова или плоский, который включает в себя две деки и обечайку. Верхняя дека для резонанса выполняется плоской или изогнутой, как у скрипки.
Панцирь предназначен для защиты верхней деки от ударов медиатором.
Голосник (резонатор) отверстие в верхней деке для улучшения качества звука.
Подструнник предназначен для передачи вибрации струн на корпус, делается из дерева.
Струнодержатель металлический
Гриф состоит из головки с колками и шейки.
Верхний порожек для регулирования высоты струн над грифом и подставка сделаны из твердых пород древесины. Подставка двигается.
Накладка с ладами заходит на деку, всего у инструмента 18 металлических порожков – ладов.
Струны от 8 до 12 штук, объединенные парами или по три, из высокоуглеродистой стали.

Корпус делают из изогнутых планок. Подходит для изготовления чёрное дерево палисандр, из них получаются дорогие инструменты с хорошим качеством звука. Материал подешевле – вишня и клен.

Дека обычно еловая или из кедра, что обеспечивает лучший резонанс. Гриф вырезают из лиственницы, палисандра, клёна. Накладка – палисандр или чёрное дерево. Колки изначально были деревянные или костяные, сейчас металлические.

Виды мандолин

За века создано множество видов мандолин. Самые распространенные типы:

Флорентийская в F-стиле выглядит как половинка груши в разрезе. На ней исполняют кантри и фолк.
Мандолина в А-стиле схожа по виду с гитарой, нижняя дека у неё чаще плоская, корпус каплевидной формы. Первые инструменты этого типа возникли в начале ХХ века.

Видов мандолин множество. Они отличаются числом струн, диапазоном, тембром и формой.

Помимо акустических есть электоромандолины. В таких инструментах установлены звукосниматели и отсутствуют резонаторные отверстия в корпусе.

Сфера использования

Инструмент универсален, используется в разных жанрах. Подходит для исполнения сольных партий, хорошо звучит в качестве аккомпанемента, используется в ансамблях народной музыки и традиционных академических.

Существуют оркестры, состоящие только из мандолин разного типа, так называемые неаполитанские оркестры.

Модели А-стиля предназначены для исполнения классических произведений, фолк-музыки, кельтских мелодий.

Модель Ф чаще звучит в стилях кантри – сельская музыка переселенцев США и блюграсс.

Блюграсс – акустический стиль, смесь ирландского, британского стилей с мелодиями афро-американских народов – джазом и блюзом.

Для мандолины писали произведения великие композиторы: Вивальди, Верди, Моцарт, Бетховен, Стравинский, Паганини.

Мандолины звучат в этномузыке, рок-н-ролле, рок-композициях известных групп – “Led zeppelin”, “Ария”, “Styx”.

Техника игры

Музыкант во время игры занимает положение сидя нога на ногу. В этом случае инструмент располагается на верхней ноге исполнителя, гриф немного приподнят под углом. Стоя играют, крепя инструмент ремнем через плечо.

Опытные исполнители-мандолинисты используют пиццикато, глиссандо, пульгар, флажолеты, арпеджио, вибрато, мелизмы и некоторые другие способы звукоизвлечения.

Пальцы левой руки прижимают струны на ладах. На мандолине играют аккордами или зажимая струны по одной.

Правая рука располагается на корпусе, медиатор находится между большим и указательным пальцем. Пальцами играть не принято. Звуки извлекают движением кисти, рука не напряжена. При касаниях ближе к подставке инструмент звучит резче, к головке грифа – глуше и мягче. Его звук мягкий, сочный насыщенный, но быстро затухает.

Музыка является частью культуры каждого народа. Музыка постоянно изменяется . То что в древности считали музыкой для нас это просто набор звуков. С развитием человечества изменялись технологии , люди накапливали опыт и музыка менялась в каждом столетии .

В разные эпохи, в разных регионах были свои музыкальные проявления. Сама музыка существует около 50 000 лет. Сначала это были примитивные звуки.

В дальнейшем стали появляться первые музыкальные инструменты. С каждым веком они становились совершеннее. Современные технологии уже позволяют записывать и воспроизводить звук, да и сама музыка уже стала иметь другое значение.

Для чего в древности использовали музыку

Это были больше звуковые сигналы, которые усиливали восприятие событий.

Какой инструмент мог быть первым

Сначала люди использовали свой голос. В дельнейшем к голосовым звукам добавились хлопки . Щелчки пальцами могут задать определенный ритм и это станет примитивной музыкой.

Человек взял в руки палку, ударил по пустому дереву, появился новый звук. Удары различных предметов один об другой давали возможность расширить звуковой диапазон. Ударные инструменты очень разнообразны, но первый барабан был придуман не сразу.

Человек познавал законы природы и старался применить их для своих целей.

Музыкальные инструменты древности были выполнены из самых простых, подручных материалов.

Самый древний, зафиксированный учёными музыкальный инструмент – это Флейта . Она была изготовлена из кости пещерного медведя.

Один экземпляр был обнаружен рядом со скульптурами, которые относят к 35—40 тыс. лет до н. э.

Среди древнейших музыкальных инструментов в разное время находили: костяные дудки и флейты, звериные рога, трубы из ракушек, барабаны из шкур животных, трещотки из камня и древесины, музыкальные [охотничьи] луки.

Конха — ритуальный духовой музыкальный инструмент, изготовленный из крупной раковины морского брюхоногого моллюска.

Благодаря изучению археологических находок, мы можем увидеть изображения древних инструментов.

Так в могилах фараонов Древнего Египта можно встретить изображения музыкантов с флейтами и арфами, которые должны были развлекать фараона в загробной жизни.

Древнерусская музыка

Древнерусская музыка была тесно связана с обрядами и верованиями . В то время уже существовали разные жанры песен . Исполнялись былины, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые, колыбельные песни.

В дальнейшем стали устраиваться увеселительные представления с использованием музыкальных инструментов.

В древней Руси использовали :

дудки,
волынки,
гусли,
гудки,
трубы,
бубны,
свирели
трещотки

На Руси часто музыкальными инструментами становились предметы быта, играть могли на чем угодно.

Деревянные ложки этому пример.

Варган

Варган — древний щипковый инструмент, музыкальный инструмент в виде свободно колеблющегося в проёме рамки язычка, приводимого в движение пальцем или дёрганием за нитку.

Подобный инструмент можно встретить у разных народов мира . Чаще его используют народы Севера.

Этот инструмент имеет около 200 наименований. В разных странах этот инструмент имеет разные названия.

Конструкция инструмента очень простая. Он легкий и его всегда можно носить с собой.

Исторические факты рассказывают и о существовании Русcкого варгана.

В русском языке можно услышать слово «сварганить». Это означает смастерить что-то быстро , наскоро , плохо , свалять .

В древнеславянских языках варги означает уста. Название указывает на принцип извлечения звука. Рот является естественным резонатором звука. Изменить тембр и тона помогут различные положения языка.

На примере варгана можно увидеть, что музыка может объединить различные культуры. Она существует вне зависимости от времени.

Колокольный звон

Отдельно можно выделить Колокольный звон . Этот вид музыкального искусства типичен для музыки Древней Руси.

Всего существует три вида звона:

· благовест- равномерные удары в большой колокол;

· перезвон — перебор колоколов от самого маленького до самого большого или наоборот;

· звон — это игра мелодии на колоколах.

Профессиональный звонарь учился искусству звона всю свою жизнь.

До нас дошла легенда в Волдайском колоколе.

Иван ΙΙΙ решил отменить в Новгороде самостоятельное правление и присоединить новгородские земли к Москве. Вечевой колокол был связан, на санях отправлен под конвоем в Москву. В гористой Валдайской местности сани быстро покатились вниз. Колокол сорвался в овраг и разлетелся на множество маленьких колокольчиков.

По легенде , настанет время, когда все колокольчики снова соединятся. Новый колокол будет звучать еще звонче . Он возвестит о наступлении благополучия для всей России.

Деревянные ударные инструменты

С древних времен известен еще один необычный ударный инструмент. Египтяне и греки, римляне, арабы, чтобы задать ритм во время танца использовали специальные палочки. Со временем эти палочки преобразились в кастаньеты.

Название кастаньеты на испанском языке, так и звучит castañuelas, что в переводе обозначает «каштанки», так они похожи на плоды каштана. В Андалузии их чаще называют palillos («палочки»).

Клан Сопрани

Одним из тех, кто уловил свежие веяния, был молодой крестьянин из Кастельфидардо Паоло Сопрани. Некий странствовавший австрийский монах, остановившийся в доме Сопрани, привез с собой экземпляр аккордеона Демиана и то ли оставил инструмент в благодарность за гостеприимство, то ли продал его хозяевам. По третьей версии, талантливый юноша разобрал инструмент, изучил его и, восстановив, вернул гостю. Так или иначе, Паоло научился новому ремеслу, через несколько лет распространившемуся по всей округе. В 19 лет молодой человек бросил крестьянствовать и в 1864 г. завел прямо в родительском доме небольшую мастерскую, а позже — мастерскую побольше, собрав несколько местных умельцев, знавших столярное дело и разбиравшихся в вопросах механики.

Свои первые аккордеоны Сопрани возил продавать на ярмарки в соседний городок Лорето, где имелся привлекавший массу паломников монастырь. Мало того что Паоло делал качественные инструменты, он еще и научился хорошо на них играть, что способствовало росту популярности новинки, и аккордеоны Сопрани практически сразу пришлись по вкусу местной публике — на них было легко аккомпанировать народным песням и танцам.

Классические музыканты, впрочем, тоже признали аккордеон. Сам Джузеппе Верди, будучи президентом комиссии по реформе консерваторского образования, в 1870-е выступил с предложением сделать обучение игре на аккордеоне (прежде считавшемся исключительно «народным» инструментом) официальным предметом в итальянских консерваториях. В 1883 г. впервые в классической музыке аккордеонную партию для своей Второй сюиты написал Чайковский.

Производство Сопрани расширялось, но не поспевало за возрастающим спросом, и в 1872 г. Паоло открыл в Кастельфидардо уже целую фабрику, выведя, таким образом, кустарный выпуск аккордеонов на промышленный уровень. Еще через несколько лет полученную прибыль он вложил в строительство огромного по тем временам здания своей компании в центре Кастельфидардо. Это была первая фабрика гармоник в Италии. Тогда, когда о массовом производстве чего бы то ни было еще и не думали, Паоло выпускал уже по 1200 аккордеонов в месяц. Молва о его инструментах быстро распространялась, заказы поступали уже с Сардинии и из-за границы — из европейских стран и США. На Всемирной выставке в Париже в 1900 г. аккордеоны Сопрани получили самые высокие награды, а сам он стал членом Брюссельской академии изобретателей и был принят французским президентом Эмилем Лубе на Елисейских Полях.

Небольшие мастерские других аккордеонистов стали появляться не только в Кастельфидардо — их основывали по всей стране. Поначалу большая часть продукции реализовывалась на итальянском рынке. По официальным данным, в 1907 г. было экспортировано лишь 690 аккордеонов, однако уже в 1913 г. эта цифра достигла 14 365 штук. Разумеется, свое дело сделали итальянские эмигранты, поток которых в то время захлестывал США. Приехав в Штаты, выходцы с Апеннин гасили звуками аккордеона остроту ностальгии и открывали на новом месте жительства лавки продажи инструментов и даже музыкальные школы, где можно было научиться на них играть. Что же касается Паоло Сопрани, то он продолжал работать до 70 лет, в 1914 г. передав свое предприятие в руки сына — Луиджи Сопрани.

Блеск. И нищета. И снова блеск.

Помощь пришла, откуда не ждали. Диктатура фашистской партии Италии, пришедшей к власти в стране в 1922 г., посчитала эти музыкальные инструменты достойными государственной поддержки. Пропагандисты фашистского режима называли аккордеон изобретением итальянцев, «гордостью трудолюбия и благодатью итальянского народа». Для защиты отрасли в 1937 г. было создано отраслевое объединение — Консорциум производителей аккордеонов и аксессуаров для них со штаб-квартирой в Анконе. Президентствовал в консорциуме член профашистского парламента харизматичный Анджело Манарези, а вице-президентом стал племянник и тезка своего знаменитого дяди Паоло Сопрани.

Но после освобождения Италии от фашистов в 1945 г. и установления там республиканского правления отрасль вновь стала расти. Только в одном Кастельфидардо, городе с 9000 жителей, с 1946 г. по 1948 г. было основано 19 новых фирм по выпуску аккордеонов. Невиданный бум производства пришелся на начало 1950-х. В США появились целые аккордеонные оркестры, выступавшие на торжествах итальянских диаспор. Кастельфидардо начал получать дивиденды от десятков тысяч проданных музыкальных инструментов.

В 1953 г. около 10 000 мастеров делали здесь в год 200 000 аккордеонов.

Это также было время крупных слияний. Soprani, например, управляемая на тот момент племянником основателя Сеттимио Сопрани, объединилась с Scandalli из соседнего Камерано под маркой Farfisa и стала крупнейшей фабрикой музыкальных инструментов в мире, выпускавшей по 180 аккордеонов в день. Нью-йоркская Excelsior открыла фабрику в Кастельфидардо, продукция которой практически полностью возвращалась на продажу в США. В городке появлялись компании с пафосными названиями: Paramount Accordions, Universal Accordions, United Artists, Metropolitan и MGM. Улицу, где владельцы аккордеонных фирм построили свои виллы, назвали тогда Dollar Street.

Во всем виноват Элвис

Какие-то компании в регионе Кастельфидардо смогли подстроиться под новые условия рынка, начав выпускать электрогитары и синтезаторы. Farfisa в 1962 г. совершила прорыв, создав первый электроаккордеон Cordovox. Но многие производители не пережили спада спроса. Сейчас в Кастельфидардо производят лишь 20 000 аккордеонов в год — на 90% меньше, чем в период бума.

Но совсем играть на аккордеонах люди не перестали, и оставшиеся на плаву фирмы, среди которых, кстати, и Soprani/Scandalli, меняют акценты. Если в 1900-х недорогой аккордеон можно было приобрести за $5, то сейчас в Кастельфидардо делают инструменты стоимостью до 50 000 евро. Ориентация на качество, а не на количество до сих пор поддерживает аккордеонную отрасль страны. Италия вообще остается страной «множества мелких товаров отличного качества», как выразился замминистра труда и социальной политики Микеле Мартоне.

Скрипичные мастера Италии создавали настолько прекрасные музыкальные инструменты, что они по сей день считаются самыми лучшими, несмотря на то, что в наш век появилось много новых технологий их изготовления. Многие из них сохранились до сих пор в отличном состоянии, и сегодня на них играют самые знаменитые и лучшие в мире исполнители.

А. Страдивари

Самый знаменитый и великий скрипичных дел мастер — это Антонио Страдивари, родившийся и всю жизнь проживший в Кремоне. На сегодняшний день в мире сохранилось приблизительно семьсот инструментов, сделанных его руками. Учителем Антонио был не менее знаменитый мастер Николо Амати.

Точная дата рождения А. Страдивари неизвестна. Обучившись у Н. Амати, он открыл свою мастерскую и превзошёл своего учителя. Антонио улучшал скрипки, созданные Николо. Он добивался более певучего и гибкого голоса инструментов, делал более изогнутую форму, украшал их. А. Страдивари, кроме скрипок, создавал альты, гитары, виолончели и арфы (по крайней мере, одну). Учениками великого мастера были его сыновья, но они не сумели повторить успех своего отца. Считается, что секрет великолепного звучания своих скрипок он не передал даже своим сыновьям, поэтому он не разгадан до сих пор.

Семья Амати

Семья Амати — это скрипичные мастера из древнего итальянского рода. Жили они в древнем городе Кремоне. Основал династию Андреа. Он был первым скрипичным мастером в семье. Точная дата рождения его неизвестна. В 1530 году он и его брат Антонио открыли мастерскую по изготовлению скрипок, альтов и виолончелей. Они разработали собственные технологии и создали инструменты современного типа. Андреа добился, чтобы его инструменты звучали серебристо, нежно, ясно и чисто. В возрасте 26 лет А. Амати стал знаменитым. Мастер обучал своему делу сыновей.

Самым знаменитым в семье изготовителем струнных стал внук Андреа Амати — Николо. Он усовершенствовал звучание и форму инструментов, которые создавал его дед. Николо увеличил размер, уменьшил выпуклости на деках, сделал более крупными бока и более тонкой талию. Он также изменил состав лака, что сделало его прозрачным и придало ему оттенки бронзы и золота.

Николо Амати был основателем школы для скрипичных мастеров. Многие знаменитые изготовители струнных инструментов были его учениками.

Семья Гварнери

Скрипичные мастера из этой династии также проживали в Кремоне. Самым первым в роду изготовителем скрипок был Андреа Гварнери. Как и А. Страдивари, он был учеником Николо Амати. С 1641 года Андреа жил в его доме, работал подмастерьем и за это бесплатно получал необходимые знания. Из дома Николо он ушёл в 1654 году, после того как женился. Вскоре А. Гварнери открыл свою мастерскую. У мастера было четверо детей — дочь и трое сыновей — Пьетро, Джузеппе и Эусебио Амати. Двое первых пошли по стопам отца. Эусебио Амати был назван в честь великого учителя отца и был его крестником. Но, несмотря на такое имя, он единственный из детей А. Гварнери не стал скрипичным мастером. Самым знаменитым в семье является Джузеппе. Он превзошёл своего отца. Скрипки династии Гварнери были не столь популярными, как инструменты А. Страдивари и семьи Амати. Спрос на них был за счёт не очень дорогой стоимости и кремонского происхождения — что было престижным.

Сейчас в мире насчитывается приблизительно 250 инструментов, изготовленных в мастерской Гварнери.

Менее известные мастера скрипичных дел Италии

Были в Италии и другие скрипичные мастера. Но они менее известны. И их инструменты ценятся меньше, чем те, что созданы великими мастерами.

Гаспаро да Сало (Бертолотти) — главный соперник Андреа Амати, который оспаривал у основателя знаменитой династии право считаться изобретателем скрипок современного вида. Он создавал также контрабасы, альты, виолончели и так далее. До наших дней дошло очень мало созданных им инструментов, не более десятка.

Джованни Маджини — ученик Г. да Сало. Сначала он копировал инструменты наставника, затем усовершенствовал свои работы, опираясь на достижения кремонских мастеров. Его скрипки отличаются очень мягким звучанием.

Франческо Руджери — ученик Н. Амати. Его скрипки ценятся не меньше, чем инструменты его наставника. Франческо изобрёл скрипки маленького размера.

Я. Штайнер

Выдающийся скрипичных дел мастер Германии — Якоб Штайнер. Он опередил своё время. При жизни он считался лучшим. Созданные им скрипки имели большую ценность, чем те, что делал А. Страдивари. Учителем Якоба, предположительно, был итальянский скрипичный мастер А. Амати, так как в его работах прослеживается стиль, в котором работали представители этой великой династии. Личность Я. Штайнера остаётся загадочной до сих пор. В его биографии много тайн. Ничего не известно о том, когда и где он родился, кто были его мать и отец, из какой семьи он происходил. Но образование у него было прекрасное, он владел несколькими языками — латинским и итальянским.

Предполагается, что у Н. Амати Якоб обучался в течение семи лет. После этого он вернулся на родину и открыл свою мастерскую. Вскоре эрцгерцог назначил его придворным мастером и дал хорошее жалованье.

Скрипки Якоба Штайнера отличались от других. Свод дек у неё был более крутым, что позволяло увеличить объём внутри инструмента. Шейку, вместо привычных завитков, венчали львиные головы. Звук его изделий отличался от итальянских образцов, он был уникальным, более чистым и высоким. Резонаторное отверстие имело форму звезды. Лак и грунт он использовал итальянские.

Ползут два короеда в деревяшке, грызут помаленьку. Тут один другому и говорит:

— Дерево как дерево, а все говорят: «Страдивари, Страдивари!»

У Булата Окуджавы в одной из песен есть такие строки:

Музыкант играл на скрипке,

Я в глаза ему глядел,

Я не то чтоб любопытствовал,

Я по небу летел,

Я не то чтобы от скуки,

Я надеялся понять,

Как умеют эти руки,

Эти звуки извлекать,

Из какой-то деревяшки,

Из каких-то грубых жил…

И действительно, непонятно, как кусок дерева с натянутыми жилами может дарить нам такие волшебные звуки? Конечно, очень многое зависит от того человека, который играет на скрипке, вкладывая в свою игру душу. Но несомненно и то, что от тех, кто изготовляет скрипки, зависит не меньше.

Когда речь заходит о скрипках и тех, кто их изготовляет, сразу вспоминаются древние итальянские фамилии: Страдивари, Амати, Гварнери. Скрипки великих итальянцев считаются лучшими в мире — любой знаменитый музыкант просто «обязан» играть на «итальянцах», иначе его просто не поймут. Но действительно ли эти скрипки таковыми являются, или миф об их необыкновенном звучании был сформирован искусственно? Попробуем разобраться.

Начнем с того, что ни одна скрипка, изготовленная теми же Страдивари, Амати или Гварнери, не сохранилась с тех времен в первозданном виде. Все они неоднократно переделывались, реставрировались руками прекрасных мастеров, в основном остававшихся для истории безымянными. Иногда от прежних скрипок оставался миллиметр старого дерева и слой лака.

Можно сказать, что мода на скрипки итальянцев была создана искусственно. Малоизвестно, что того же Страдивари заново открыли спустя 100 лет после его смерти, до этого никто не считал его гением. Своей славой Страдивари обязан французскому скрипичному мастеру Вильому, имевшему свой магазин музыкальных инструментов. Вильому нужно было продавать скрипки Страдивари, и он устроил им гениальную рекламу, после чего они резко поднялись в цене. Мало известно и то, что на конкурсах музыкальных инструментов, когда прослушивание идет за ширмой, известнейшие профессора присуждали скрипкам Страдивари далеко не первые места. Во всяком случае, скрипки лучших русских мастеров ничуть не хуже скрипок знаменитых итальянцев.

Закончить рассказ о скрипках мне хочется словами того же Булата Окуджавы:

Счастлив дом, где пенье скрипки наставляет нас на путь,

И вселяет в нас надежды, остальное как-нибудь.

Счастлив инструмент, прижатый к угловатому плечу,

По чьему благословенью я по небу лечу.

Скрипки итальянских мастеров

Скрипки итальянских мастеров Ползут два короеда в деревяшке, грызут помаленьку. Тут один другому и говорит: — Дерево как дерево, а все говорят: «Страдивари, Страдивари!» Из анекдота У Булата Окуджавы в одной из песен есть такие строки: Музыкант играл на скрипке, Я в

Почему Флоренцию называют «городом мастеров»?

Почему Флоренцию называют «городом мастеров»? Основание Флоренции в живописной низине на берегу реки Арно историки связывают с Юлием Цезарем, некогда разбившим воинский лагерь на покрытом цветами прибрежном лугу. От названия лагеря – Кастро Флоренция (цветущий

Скрипки итальянских мастеров

Советы мастеров

Советы мастеров Тем, кто предпочитает выполнять обслуживание и ремонт автомобиля самостоятельно, будут полезны приведенные далее советы мастеров.После избавления от дефицита запасных частей почти отпала необходимость в изготовлении нестандартных деталей,

Методы мастеров

Методы мастеров Люди, у которых способности запоминать стоят выше среднего уровня, являются иллюстрацией того, как много может достичь человеческий разум. Являются ли они обладателями особенного мозга или их умения пришли в результате длительных тренировок

ЧУДО-СКРИПКИ ИЗ КРЕМОНЫ

ЧУДО-СКРИПКИ ИЗ КРЕМОНЫ Италия долгое время занимала первое место и в том, что касается скрипачей-виртуозов и скрипичных дел мастеров. Знаменитые композиторы, такие, как Арканджело Корелли, Джузеппе Тартини и Антонио Вивальди, были в то же время и одарёнными скрипачами,

Мандолина (итал. mandolino) – струнный щипковый музыкальный инструмент небольших размеров, разновидность лютни – лютня-сопрано, но с менее длинной шейкой и с меньшим числом струн. Струны задеваются играющим, в основном, медиатором или плектром, а также пальцами и птичьим пером. На мандолине используется техника тремоло (многократное быстрое повторение одного звука, либо быстрое чередование 2 несоседних звуков, 2 созвучий (интервалов, аккордов), отдельного звука и созвучия). Так как металлические струны мандолины издают короткий звук, то протяжные ноты достигаются быстрым повторением одного и того же звука. Мандолина используется как сольный, ансамблевый и оркестровый инструмент.

Появившись в Италии в XVI – XVII вв., мандолина уже в следующем столетии стала самым распространенным, самым любимым народным инструментом. И по сей день является народным итальянским инструментом.

Интерес к итальянской мандолине в последнее время всё увеличивается. Вызван он не только и не столько ее популярностью в народной музыке кельтов, итальянцев и, как ни странно, американцев, а скорее универсальностью звука, издаваемого инструментом. Если раньше незабываемые тремоло можно было услышать в серенадах и симфонических или оперных оркестрах, то со временем мандолиновые гармонии появились в рок-музыке, в своем творчестве их использовали и сэр Пол Маккартни, и Doors, и Led Zeppelin и многие другие музыканты.

В Россию мандолина была завезена предположительно в первой половине XVIII века. С того – же времени её часто относят к разновидности гитары. Вот как знаменитый русский писатель Владимир Иванович Даль описывает мандолину в своём «Толковом словаре русского языка»: «Мандолина – это разновидность гитары без перехвату, на которой играют косточкою или пёрышком».

«В огромном липовом саду,

— Невинном и старинном –

Я с мандолиною иду

В наряде очень длинном

Вдыхая теплый запах нив

И зреющей малины,

Едва придерживая гриф

История возникновения мандолины.

Прародителем для мандолины стала итальянская сопрановая лютня образца конца XVII, начала XVIII веков. История мандолины началась с мандоры, разновидности лютни, которая появилась в XIV веке. Когда инструмент получил своё распространение в Европе, ему было придумано множество разных названий, и его структурные характеристики менялись в зависимости от страны.

В России мандолина появилась во второй половине XVIII столетия и быстро завоевала популярность. В первой российской работе по истории музыки, опубликованной в 1770 году, её автор, профессор Академии наук в Петербурге Яков Штелин пишет: «В заключение о музыкальных новостях и достопримечательностях при императрице Елизавете следует упомянуть, что итальянская гитара и её землячка – мандолина, благодаря разным итальянцам появились в Москве». Искусством игры на мандолине овладевают многие музыканты – любители. Она звучит в аристократических салонах и в домах простых граждан. Образуются общества мандолинистов и гитаристов-любителей в Петербурге и Москве. В конце XIX столетия постоянно издается нотная литература для мандолины, предназначенная для широких слоёв населения.

Мандолина была очень популярна в России в досоветское время и после. Теперь мандолина – это редкость, но исторически она имела большое уважение. Итальянские мастера старинной музыки Антонио Вивальди и Джованни Паэзиелло писали для неё виртуозные концерты. «… Четыре маленькие работы, чудесные как конфетки, для мандолины и фортепиано написал Л. Бетховен. Моцарт доверил мандолине исполнение в операх «Дон Жуан» и «Свадьба Фигаро» — говорит А. Авитал (еврейский мандолинист). Во времена барокко игра на мандолине была широко распространена среди аристократии, особенно среди высокопоставленных дам, но в XIX веке, игра на мандолинах в ансамбле стала любимым занятием буржуазии. В таком оркестре играла сама королева Италии. А в фашистской Италии мандолина стала национальным символом.

Множество фильмов было озвучено темами мандолины. Одними из самых запоминающихся являются: соло в песнях папы Карло, черепахи Тортилы и Пьеро, в фильме «Приключения Буратино».

Группа «Ночные снайперы» используют в некоторых композициях мандолину. Те же ДДТ в одной из записей тоже. Также мандолину использовала белорусская группа «Ляпис Трубецкой» при записи альбома «Золотые яйца». Известный российский гитарист Владимир Холстинин часто играет на мандолине и использует ее на концертах группы «Ария».

Техника изготовления мандолины.

Создание мандолины – это сложный процесс, который требует от мастера долгой и кропотливой работы. Прежде всего, мастер начинает с изготовления дна инструмента – самого сложного этапа работы. Дно состоит из нескольких предварительно изогнутых деревянных планок (клёпок). Как правило, для изготовления этой детали используют клён, орех или кипарис, может также использоваться бакаутовое дерево.

Планки замачивают в воде, а когда они становятся мягкими, им придают форму по шаблону с помощью горячего железа. Далее мастер подгоняет и шлифует дерево полукруглым долотом и рубанком.

Процесс изготовления деки мандолины похож на производство деки классической гитары. После того как корпус инструмента готов, к нему присоединяют гриф, изготовленный из красного дерева или ореха. Затем устанавливают деку из черного дерева и колковый механизм, который похож на механизм испанской гитары, но вместо трех, у него четыре колка с каждой стороны головки.

Когда все детали соединены, мандолину покрывают лаком. Обычно используют лаки с нитроцеллюлозой. Также, согласно требованиям исполнителя, каждая мандолина может быть дополнительно украшена.

Делалась инкрустация (бабочка, цветы, птицы и др.).

У мандолины (КП 5322) за мостом есть наклейка с надписью: «G. Puglisi — Reale & Figli; CATANIA; Primo Stabilimento Italiano per la Fabbricazione DI; Strumenti Musicali A Corda». Ниже: «DEPOSITO JUL HEINR ZIMMERMANN; Lepzig, St. Petersburg, Moskow, London». Эти мандолины были сделаны исключительно для экспорта. Сегодня вы можете найти их по всему миру, в каждой стране Европы, России, Японии, США, Австралии, Южной Африки.

«DEPOSITO JUL HEINR ZIMMERMANN; Lepzig, St. Petersburg, Moskow, London». Юлий Генрих Циммерман (1851 – 1922). Основал дилерскую компанию в 1875 году. Его фирма была поставщиком музыкальных инструментов и изделий. В 1882 году Циммерман был эксклюзивным поставщиком в Россию, его штаб-квартира переехала в Лейпциг. Откуда он открыл филиалы в Москве (1882-1885), в 1897 году – в Лондоне.

На каких только странных предметах не записывалась музыка! Вот, например, итальянцы. Они настолько любили музыку, что партитуру записывали даже на ножах. Когда гости перекусили, перестали разделывать мясо, эти столовые приборы могли замечательно обеспечить вечернее развлечение.

Такие ножи 16-го века теперь разбросаны в музейных коллекциях по всему миру. Они известны как нотные ножи. Кирстин Кеннеди, куратор Музея Виктории и Альберта, отмечает, что трудно быть полностью уверенным в том, как они использовались, хотя их форма подсказывает некоторые идеи.

Происхождение ножей относят к 1500-м годам. Один из них находится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне, семь — в Париже, три — в Филадельфии, два — в Гааге, один — в Австрии, несколько — в частных коллекциях. Сколько их всего разбросано по миру, неизвестно.

Исследовательница Флора Деннис считает, что, помимо тех шестнадцати, о которых известно, в источниках есть упоминания еще как минимум о четырех.

Один из экземпляров коллекции имеет острый край, позволяющий предположить, что нож использовался для резки мяса, а ширина заставляет предположить, что затем им же отрезанные кусочки подавали на тарелки.

Каждая сторона лезвия имеет музыкальные нотации, занимающие большую часть поверхности ножа. Каждый нож представляет собой часть музыкального произведения, предназначенного для одного певца. Если собрать все ножи воедино, то создастся гармоничный хор. Соответственно, одна сторона ножа содержит песнопение благодати, а другая — песнопение благословения, которое исполнялось в конце трапезы.

Надпись с одной стороны гласит: «Пусть Святая Троица благословит нашу трапезу и то что мы собираемся съесть». На противоположной стороне текст был примерно такой: «Мы благодарим Бога за его щедрость». Изделия были сделаны из позолоченной стали, рукоятки — из серебра, слоновой кости и латуни.

Эти простые песнопения превращаются в нечто необычное и грандиозное, когда их исполняют хором. Королевский музыкальный колледж записал музыку, спетую с нотного ножа, и достиг впечатляющих результатов. Флора Деннис проделала большую работу и собрала ножи с разных концов планеты: из Бельгии, США, Германии, Франции, Италии.

Кстати, в глубокой древности ноты не записывали. Музыка передавалась устно. Первые источники, указывающие на нотную запись, ведут свое происхождение из Древней Греции. Одни из них — Дельфийский гимн Аполлону (128 год до н. э). Он хранится в Дельфах, в Археологическом музее. Греки ноты записывали буквами.

В Средние века появилась невменная нотация. Neuma с латинского переводится как «кивок головой». То есть указывалось направление звучания, а не тональность и длительность. Ту нотную систему, которая нам знакома сегодня, придумал, конечно же, итальянец — монах Гвидо Аретинский.

Присоединяйся к нашему сообществу в телеграмме, нас уже более 1 млн человек 😍